优秀的作品会引起人们的不断思考，当我们观看了这部影片后，内心涌起了许多感慨。因此，我们可以撰写一篇观后感，用以表达我们真实的想法。在写观后感时，应该避免泛泛而谈的情况。现在，栏目小编为您整理了一些关于“美术观后感”的相关信息，请务必将本文保存下来，随时参考。此外，关于作文，您还可以浏览做饭的周记(实用6篇)。
美术观后感 篇1
这本书的线索十分明确，在论证过程中主要分析了统治者获得权威的条件：集道德权威和强制力量为一体的身份（宗族地位及宗族权威的合法性——神话）、独占获取知识的手段——青铜器（文字和动物伙伴的高度集合）。依靠道德和强制力量维护统治是统治者惯用的方式，几千年前的夏商周已经开始实践这种统治方式，几千年后的现代社会仍在继续实行这样的统治方式，以德治国和依法治国相结合就是很好的例证。
这是非常必要的，但这不是一种创新。只能说是古代的一种传承。虽然这种方式产生于现实统治的需要，但是对于当时的人们来说，它毕竟是一种开端和创新，集中反映了几千年前我国古代劳动人民的智慧和创造。
读了这本书后，有一个问题
夏商周青铜器上的动物纹样是绝对的还是完全的，是为了某种神话或祭祀目的？
由于尚未搜集到充分的资料，所以对于这个问题，本人只能去推测。
一切都不是绝对的。 同样，动物形态也不是绝对代表宗教，宇宙论或神话学意义。有些动物图案可能只是为了艺术欣赏或装饰美学。
许多学者认为，当时人们认为这些动物图案具有与天地沟通、帮助人们与天地沟通、敬神驱邪的意义。达到政治、心理和宗教的作用。
夏商周的很多图案本身表示神话或者宗教含义，这一点不可否认。最初创造这种图案的人可能是出于宗教目的，即使是这样，在这些图案流传过程中，后期也可能会逐渐失去其最初所蕴含的神话意义，因为并不是所有的人都会相信这些图案的最初意义，在流传过程中，这种动物纹样可能被自然而然的当作一种风俗习惯流传了下来，即使是雕刻这些动物纹样的工匠本身，也未必一定知道这些图案的神话或者宗教的意义。
因此，夏、商、周青铜器上的动物纹样并不是完全出于某种神话或祭祀的目的。
美术观后感 篇2
断断续续地，我教孩子们将近20年了。经验告诉我，3到10岁的孩子不应该花太多时间学习绘画或直接学习素描。尤其是近几年利用周末独立办班后，更是切身体验到家长和孩子，尤其是孩子的需要--不是想简单地学会画几副简笔画就够了，而是想通过美术这门艺术挖掘潜力、完善人格、体验别样的成功、别样的乐趣。
因此，在我的“尖角”艺术园里，如何让孩子们逐渐学会在快乐的氛围中发现、欣赏、表达和创造美，是我的主要教学目标。围绕这个目标，我将所有的学生按照年龄和基础的不同分编成几个班，引导孩子从不同的角度去观察事物，用尽可能用丰富多变有趣的手法来表现美术的方方面面，既不强求孩子的作品跟老师的一样，更不要求和其他孩子一样，鼓励每一个孩子都尽可能地表达出自己的特色。比如我教孩子画小鸟，练习圆、半圆、三角形的组合图形，我通常是先引导孩子回忆并联想曾经见过的各种小鸟，都是什么颜色、什么形状，然后请同学们自己先试着画一画，评一评。
认为鸟类的基本形态是圆、半圆、三角形的组合，色彩丰富多样。然后我会用至少三节课来教孩子们用三种以上的方式展示鸟类。
一、剪纸拼贴画，
二、简笔画，
三、写生临摹加想象画。同时，每一节的课后作业我都会要求孩子带着课堂所学知识去重新观察分析生活和书中的小鸟，然后在新课开始的时候与同学相互交流自己的新发现。对于每一个孩子我都会设法找出一个优点，当堂在他们的《美育周记册》上画上红色的星星、月亮、太阳等等，以资鼓励。
对于学生的作品，无论是作业还是课堂练习，我都会认真地挂在课堂上，经常找理由评头论足，充分肯定优点，细心地、暗示地指出不足指出。比如小鸟的头画的不圆，我会微笑着说："哎呀，小鸟是不是不听话，被他的妈妈打了一锤，把头给砸扁啦？
如果孩子画的鸟的身体太小，我会说：“这鸟太可爱了，有点像大个头的儿子。”。画一只又大又壮的鸟做它的小爸爸，好吗？
"这样一说，孩子多半会带着快乐的好玩的心情再画几只鸟出来。往往2-**x个小时的课都结束了，很多孩子都不愿意放下刷子回家。今年五一假期，我带了几个孩子到附近的山上写生。一位路过的老人问道：
你这是教美术、素描还是简笔画呢？这话初一听似乎老者还挺懂行，细一琢磨其实是个外行。可以断言，老人对艺术一无所知，对儿童艺术教育的内容和方法一无所知。
受过艺术训练的人知道，艺术不仅仅是用笔在纸上画画。如果说艺术是一座四层楼的建筑，那么绘画是四层中的一层，另外三层是工艺美术、建筑艺术和雕塑。而素描和简单的笔触只是抱着的钢筋或几块小砖头。
在我的日常美术教学中，对第一次来学***的孩子和家长，我总是这样讲解美术的分类和学***：美术好比是一个人，我们的四肢可分别代表美术的四大门类；学***就是要学***观察美、发现美、欣赏美和创造美。如果说美术像语文的话，那么简笔画就像其中的夸张手法，而学***就有点像语文课上学字词语法，那么写生呢就好比是写日记。
大家都知道，学***不可能只学写日记，更不可能把夸张手法作为主课讲上一学期。但奇怪的是，有很多课外艺术辅导老师教孩子们一两年简的画笔！搞的很多家长对美术产生误解，以为孩子学美术就非得学简笔画，学素描就非得画石膏，也不考虑孩子的年龄和个性特点，随便进个美术班就算学美术了。
实在是荒谬。我认为4-14岁的孩子应该尽可能多地学习艺术，教他们的孩子理解和接触各种艺术。根据孩子的不同年龄和接受能力分班教学。
围绕造型、色彩和创意三大基本要素，综合运用绘画、工艺、雕塑等表现手法，引导孩子从艺术的角度了解生活、展识生活、热爱生活，提高对美的欣赏和表达能力。我的美术教学以激发保护孩子的美术学***为主要目标，坚决反对美术教师图省事，一味地只教孩子学***画。对于3-6岁初学美术的孩子，我更主张孩子的家长尽可能地陪同孩子一起学习，以便配合老师对孩子的美术学***经常性的，相对比较理性和科学的辅导。
到目前为止，我已经带来了像**x这样的课外艺术辅导班，我称之为美育亲子班。每个班有6-1个学生，每个学生有6-10个家长。孩子的学习和工作效果明显好于没有家长的班级。请看本人为3-6岁幼儿课外美术教育亲子班所上的课外美术课教案之一。课题:：
***《大头儿子、魔力小鸡和无头小鸟、》教具：苹果和橘子目的：1、教孩子认识基本形之梯形、圆形和半圆形的组合2、激发孩子的想象力、创造力和语言表达能力教程：
1、 为按时到校、完成作业、积极发言的学生画小红星
二、导课：将提前装入苹果和橘子并盖上布的小桶放在画桌上，绘声绘色地讲了一个我自己编的童话故事：在这个水桶里有一个大头儿子、两只魔力小鸡和许多丢失了脑袋与尾巴的小鸟。
不相信吗？听完我的故事就知道是怎么一回事了。(边讲变画)大头儿子住在城市的高楼大厦中，每天都有写不完的作业。
想和妈妈玩：妈妈说：好好学习，否则你会落后的。
想和爸爸玩：爸爸说：我忙着给家里赚钱！
愁的大头儿子吃不下、睡不香，胳膊瘦成了俩对勾，两条腿瘦成了俩面条，一走路就只打颤。两个魔女看到后，很同情大儿子，忍不住流下了伤心的眼泪。但是眼泪是不解决任何问题的。
于是小鸡魔术将大儿子变成一群自由飞翔的小鸟，逃离城市，来到广阔的田野。但是这些鸟太好玩了。他们把玩的东西都忘了。忘了学习，忘了回家，甚至连自己的脑袋和尾巴都给玩丢了，稀里糊涂地就飞到了我的画室，被我关在了这只水桶里。
不知道魔力小鸡又会把他们变成什么样呢？想看看吗？还是先来用手摸一摸，感觉一下他们的形状、数量与质地吧。
三、请孩子们轮流伸手在水桶里摸，摸后不许说出声，只能悄悄地告诉自己的家长。提醒孩子说清三个问题：1什么样(软硬、粗细、大小、形状等)？
2、变成了什么？3、有多少？全部摸完后，再轮流说一遍，然后请来得最早的同学打开水桶上的布，让大家看清楚里面的东西：
一只苹果和两只橘子。再次设问：老师骗人了吗？
总结：老师只是发挥了一下想象力，根据它们的不同的特点编了一个故事。同学们想试一下吗？
我相信你们每个人都能编一个比老师更有趣的故事。一起来画吧。
四、边讲边画示意图，注意不时停下来进行巡回指导，确保每一位学生都能及时掌握苹果、小鸡和小鸟的基本画法，并能以此为基础进行简单的拟人化想象绘画。
五、家庭作业：1观察分析生活中还有什么具备梯形、圆形和半圆型等基本型的物体，尝试画几样；2、将他们拟人化，编一组***。最好是与老师和同学都不一样的故事；3''可以画也可以剪纸拼贴或用彩泥捏制。
教学小结：此教案先后给3-8岁年龄段的多个教学班上过后，效果都很不错，几乎每一个孩子都能当堂掌握苹果、小鸡和小鸟的基本画法，且都能编出与众不同的故事说给大家听。在随后的两周课上，我又指导孩子将所编***用点线面加以装饰，以使画面效果更加丰富、生动'；主体更加突出，细节相对完美、耐看。
然后还安排时间让孩子们轮流上台讲解自己的故事，点评自己和同学的作品，提高孩子的鉴赏能力和语言表达能力。力求达到通过美誉全面树人的效果。
美术观后感 篇3
《德国美术教育》的读后感7提要：在美术教学中，创造性的培养首先要重视创造性思维，创造性思维具有发散性的特点。关于发散思维，美国心理学家基尔福德认为
看过很多国内教育名家的专著，假期特别找了一本外国的教育书籍《德国美术教育》，书中介绍了在德国文化大背景中，德国的艺术教育既保留了本民族思辩性、有序性的特点，又吸收了宽容性、多元性等优点，形成了具有相当伸缩力的教学模式。从我们艺术教育的角度来看，德国艺术教育具有很强的个性，深受以下因素的启发：
一、多样的教学方法，丰富多彩的教学素材，以启迪孩子的智慧。
在德国，作为一名合格的教师，除了达学毕业外，还需要2-3年的时间专攻教育理论，这可以通过教学时间来确定。这样决定了一支具有较高素质的教师队伍，完成具有相当伸缩性的艺术教育成为可能。在小学，根据孩子的年龄特点，面对刚从幼儿园到小学的孩子，学校
一、二年级实行包班，教师明确所教学科的教学大纲和内容，不设日课表，教师所教内容可随机应变，如：课堂内突然出现了美丽的蝴蝶，孩子的注意力自然随蝴蝶而转，这时教师的教学内容随蝴蝶而变，让学生观察蝴蝶飞的动态、形状，介绍有关蝴蝶的种类、***常识，然后要用语言来描绘蝴蝶;用彩色笔画蝴蝶。结合常识、语文、美术等课程，取的教好的教学效果。
在这儿我体会到学科的横向联系，教学的灵活性，颇像我们的综合实践课，但在国内似乎缺少一个过渡的阶段，让教师从一个循规蹈矩的状态突然转变到一个随心所欲的状态，结果必然是混乱失败的。
2、 在美术教学中注中创造力的培养，给孩子广阔的思维空间，让孩子用不同的方式独立地表达自己的情感。
在美术教学中，创造性的培养首先要重视创造性思维，创造性思维具有发散性的特点。关于发散思维，美国心理学家基尔福德认为：“创造性思维指的是重新组织观念，而产生新的结果，并且在面对一个对象时，做出各种选择的假设。
”在德国艺术教学大纲中从小学到中学始终强调创造力的培养，在教学中着重研究创造的行为过程。与我自己的教学相比，我似乎更注重学生作业的效果。我应该在未来的课堂上找到一个更好的方法，既能传播学生的思想，又能产生好的作品。
三、师生之间提倡“帮助我，让我自己来做”，淡化教师的权威性，使教师由权威变为顾问，创造平等对话的关系。
在教学过程中，为学生创造良好的环境，启发学生如何去感受和发现，使学生认识到事物美的潜能，尊重学生对人和事物的不同感受和表现。从小培养学生独立分析问题，独立解决问题，根据不同的对象有不同的选择。这一点与我们的教学理念是一致的。只有弱化教师的权威，与学生交朋友，才能更好地帮助学生发现美、表达美。
4、 教师要根据学生原有的知识和能力，贴近学生的生活，使学生在快乐中获得新知识。
对于色彩的基本知识，在德国的美术教学中表现为有序而轻松，色彩以心爱的事物为对象来认识;色环通过色板的游戏找色彩之间的关系;色调的联系通过一些故事描述等方法来出现。如：“一座房间夜里着火了”，;“公主希望城市变成红色”;“绿色宫殿里的红色巫师”等。
显示兴趣的内容促进知识掌握，而不是太理论化。
组织参观一些地方博物馆，参加一些传统节日，并结合这些活动来表达最令人印象深刻和最喜爱的东西。比如参观汽车博物馆，绘制不同时期的汽车造型；汽车比赛场景；周日登山活动；制作狂欢节面具等。这些对于学生来说，有生活经验，丰富知识，并能生动地反映在画面上。
这些灵活有趣贴近生活的教学方法才是我们应该追求的，而让学生死记硬背，甚至加以考试，还要在他们人生第一次重大事件中记录上一笔，不是学生没兴趣不爱学，是我们硬把学生踢出了艺术的大门，不是老师们教不好，而是我们赤足站在烧得火红的石头上，只有快步奔跑保命，无力顾及其它。
除了以上四个方面，德国艺术教育还强调艺术教育的学科性，体系框架非常清晰，学科色彩非常浓厚等等。总之，艺术教育始终围绕着最高的教育目标。学生不仅要学习会画技能，还要培养创造力、审美能力、实践能力和个性的发展。努力使艺术教育适应产业发展和科技发展，将艺术造型的理念和能力渗透到日常生活中，与各领域的活动相衔接。
德国对艺术教育及其理念的理解深受我国艺术教育的启发，值得我们借鉴。自
美术观后感 篇4
近日我拜读了2011年版的《美术课程标准》这本书，书中的观点和建议是我从前没有感受到的，使我收获颇多 。
（一）社会主义核心价值体系在美术学科中的渗透。
美术课程在我国的基础教育课程体系中发挥着更积极的做用，为国家培养具有人文精神、创新精神、审美品位和美术素养的现代公民。2011版的新课标非常重视社会主义核心价值体系的渗透，强调“美术课程一社会主义核心价值体系为导向，弘扬优秀的中华文化，力求体现素质教育的要求。”在教学建议中，主张“在具体的美术教学活动中，有意识的培养学生认真刻苦的学识态度和持之以恒的学习精神；要求学生要从小事做起，逐渐形成关心集体、爱护环境和公共财物等良好的行为习惯。在工作的这两年中，我在学生身上也发现了许多问题：现在的学生都是独生子女，难免有些娇惯，在生活和学习中过分依赖家长，没有责任感，缺乏耐心，没有集体观念。这些不良习惯无不在美术课上表现的淋漓至尽，如：没有父母的提醒，上课不带美术工具；画画时不能认真完成作业，不能耐心地观察身边的事物和不能耐心的涂色等等。在课堂中有意识的培养学生良好的习惯，成为我现在教学的当务之急。
（二）主张采用评价的方式初进学生在美术方面的发展
评价虽然是美术课上的最后一个环节，但它在教学过程中却起到画龙点睛的作用。评价能激发学生学习的兴趣，能培养学生的想象能力与创造能力，能增强学生的绘画表现能力。而教师对学生学习评价的方式，将直接影响到学生学习美术的态度和学习效果，做得不好会挫伤学生学习的积极性，失去学习美术的兴趣和信心。总之，恰当地运用教学评价，把评价贯穿于整个教学活动的始末，重视学生参与美术活动的情感、态度，关注学生在美术活动中对美的情绪体验，帮助学生建立自信；通过评价重视学生的探索与创造精神，允许学生在创作中采用不同的方法，接纳学生不同的创作结果，以不同的角度给予肯定；重视培养学生在创作过程中克服困难，大胆表现的勇气，这样，我们的评价对学生的发展才是有意义的。
新课标带得我许多新理念，这些理念需要我在实践中不断地去贯彻和实施。因此，作为一名美术教师，要树立新的教育观、理解新理念，做到与时俱进，与课标同行。
美术观后感 篇5
《美术史十议》是一本探讨美术史的重要著作，其中的十篇议论对于了解美术史的发展和理解艺术的演变有着重要的意义。以下是我对这本书的读后感，希望能够通过详细、具体且生动的叙述，将我对这本书的思考与感受传递给读者。
第一篇议论是关于“艺术的本质与作品的价值”。作者通过辨析不同时期的艺术形式和创作背景，深入探讨了艺术的核心价值和不同作品的表达方式。在阅读中，我对艺术的本质有了更深入的理解，意识到每个作品背后都有它独特的艺术价值。
接着，第二篇议论聚焦于“术语的使用与理解”。通过对艺术术语的解释和实例分析，作者带领读者进一步理解和运用这些术语。我认为这个议论对于艺术爱好者和学者来说是非常实用的，能够帮助我们更准确地描述和表达对作品的看法。
第三篇议论涉及“艺术与社会、政治、宗教及科学的关系”。通过举例分析不同时期背景下的艺术作品，作者揭示了艺术与其他领域的交互作用。在阅读中，我意识到艺术是文化和社会生活中不可或缺的一部分，它既受到社会环境的影响，又能够对社会产生积极的影响。
第四篇议论着重探讨了“艺术的原创性与复制性”。通过对历史上的著名艺术作品进行研究和比较，作者深入剖析了艺术作品的原创性和复制性的关系。我认为这个议论引发了我对艺术创作的思考，使我意识到原创性在艺术中的重要性，同时也了解到艺术作品的复制能够使更多人享受到艺术的美好。
第五篇议论涉及到“艺术的技术与表现方式”。作者通过对不同时期的艺术作品进行分析，揭示了艺术技术和创作方式的演变与转变。在读后感中，我深入了解了不同艺术形式的特点，这对于我在欣赏艺术作品时有很大的帮助。
接下来，第六篇议论聚焦于“艺术的风格与潮流”。作者通过对历史上的艺术风格和潮流进行研究，分析了不同风格背后的特点和影响。在阅读中，我认识到艺术风格是一个时代的特征和精神的体现，同时也意识到艺术风格的多样性和变化性。
第七篇议论探讨了“艺术作品的受众与传播”。通过对艺术作品的传播方式和受众的分析，作者揭示了艺术作品与观众的互动关系。在此议论中，我领悟到艺术作品不仅仅是创作者自身的表达，还需要与观众进行共同的交流和解读。
第八篇议论着重研究了“艺术与科技的互动”。通过对艺术与科技的关系进行阐述，作者展示了这两个领域的密切联系和相互影响。在读后感中，我认识到科技推动了艺术的发展和创新，艺术作品也能够通过科技手段更好地表达和传递。
第九篇议论聚焦于“艺术的批评与评价”。通过对不同艺术批评家的观点和评价的分析，作者揭示了艺术评价的多样性和主观性。在阅读中，我深入了解到批评和评价对于艺术的发展和创作有着重要的影响，同时也意识到艺术评价的多样性给了艺术家更多的空间进行创作。
最后，第十篇议论涉及到“艺术的未来与展望”。通过对未来艺术的想象和展望，作者引导读者思考艺术的发展方向和影响因素。在读后感中，我认为对艺术未来的思考和探索是非常有意义的，因为它能够促使艺术家和观众积极参与到艺术的创造和传播中。
通过对《美术史十议》的阅读与思考，我对美术史的发展和艺术的演变有了更全面和深入的了解。这些议论不仅帮助我明晰了艺术的本质和作品的价值，也启发了我对艺术创作和欣赏的思考。我相信，通过持续的学习和阅读，我将能够进一步拓宽自己对艺术的认知和理解。
美术观后感 篇6
课程学习总结
古人云：“读书不多，画则不能近于雅；观理不清，则画不能规于正。”美术史是人类知识的一个分支，也是人类文明史的重要部分。
”学“史”、观“史”最终的目的是建立有系统思考体系，以便于在我们的专业中灵活的运用。通过这段时期对中外美术史的学习，使我深深的感受到了我感受到了大师们的智慧、思想精神以及中外文化的博大精深；我还意识到艺术的发展是连续的和可继承的，这使我受益匪浅。
回首这学期的艺术史课程，在浩瀚的艺术长河中，这些知识永远闪耀着宝石般的光芒。对我而言，学习中美史的时候深深的被中国文化的精深与宏伟所折服。我好奇远古图腾的神秘，实用且富有神秘纹样的彩陶艺术；我惊叹秦始皇兵马俑雄浑的气势和壮丽的审美特征；我赞美魏晋南北朝百家争鸣的文化融合和优良路线；我佩服大唐盛世艺术题材形式多样，山水画的独立以及鲜明而富有时代特征的民族风格的石窟壁画；我向往简单自由的文人画和宋代独特的山水艺术形式；我主张元清艺术的多元化发展和中外艺术形式的融合。
说起西方艺术，我仿佛进入了另一个新世界，一种与中国美术意境完全不同的感觉。在兴趣盎然中,乔托的觉醒,波提切利的韵昧,达芬奇的智慧,米开朗基罗的激愤,拉斐尔的优雅,乔尔乔内的建树,提香的追求和丁托列托的视角,感受布勒格尔的气质,丢勒的才情,普桑的力度,华托的情调,大卫的理想,安格尔的柔美,德拉克罗瓦的激情和莫奈的光影，深深吸引着我。此外，西方艺术流派和形式也多种多样：
华丽激情的巴洛克艺术；古典优雅的学院派；充满生活情趣和阳光的荷兰小画派；夸张扭曲的折衷主义；真实和谐的写实主义；抽象豪放的野兽派；带有戏谑和象征的超现实主义
通过本课程的学习，我最大的成就就是了解和掌握中西艺术形式的差异，提高我的鉴赏能力。中国画作浸染几千年的儒佛道家的神韵，古朴典雅富有诗意；西方绘画充满人文精神，追求科学现实主义。
首先，中西绘画的区别在于哲学的不同。众所周知，西方艺术与西方哲学密不可分，而中国艺术则潜移默化地受到儒家思想的影响。中国艺术主张义、互动、相互制约、对立统一的辩证关系；西方艺术强调从科学的角度寻求美的基础，提倡个性和意志的自由。
西方人在思考问题时比较理性，注重对作品形式的抽象分析和阐释；而中国人则“以人为本”，多为感受性和经验性的评议，多结合对具体作品的品评，进而涉及作者的个性品格。西方美术对于客观事物的分析与研究是相对透彻的，而中国画强调的是“只可意会，不可言传”，需要人们通过画的本身走入作者的内心世界。
另一方面，中国绘画在创作上重视构思，画作时“胸有成竹”，注重艺术形象的主客观统一。然而，西方画家在造型上并不拘泥于表面的相似性，而是注重在遵循规律上突破创新。
其次，题材重点也有不同。西方绘画最强调的是人，中国传统绘画强调“天时，地利，人合”，人物甚至可以甘心沦落为风景的配角。从社会学角度看，中国艺术注重艺术自身、自然与社会、艺术的社会价值的和谐共存；西方艺术理论更强调作品形式美的自由性，强调艺术的无私性和非功利性。
当然，不同的绘画工具也造成了中西绘画的不同。笔、纸和颜料各有特点。中国的绘画，可以在薄薄的纸绢上，勾勒出祖国的大好河山，恢弘而庄重；西方的绘画，则可以再方寸之间，宛如让时间停滞一般的精工细做，耐人寻味。
我记得在某期刊上读过一篇文章：西方艺术大师毕加索遇见中国画大师张大千，谈中西艺术。毕加索说：
“在这个世界上谈艺术，第一就你们中国人的艺术，第二就是日本人的艺术，但日本人的艺术是源于中国的，还有就是非洲黑人有艺术。”这话可以看出西方艺术大师对中国艺术的肯定，也体现出中国艺术的地位。还说：
“齐白石先生画的鱼，不画水也感觉到鱼在水里游。”其实就是中国画跟西洋画本质的差异了，西洋画强调光的表现,是画家对光这种因素的主观和客观的科学分析，用光影明暗去塑造对象。中国画强调意境，意境是一种纯粹的画家意识。
中国画重视空白的运用，有“虚实相生” 的效果。讲究意境、神韵；散点透视。如山水、花鸟等纯自然的客观物象，在观察、认识和表现中，也自觉地与人的社会意识和审美情趣相联系，体现了中国人“天人合一”的观念。
由于中国与西方国家在社会政治、经济、历史和文化传统等方面都有很多差异， 各自的绘画在艺术形式、表现手段、艺术风格等方面存在着明显的区别。西方艺术形式多样，而中国画只有植根于民族艺术精神中，才能失去其本质。这种民族艺术精神也需要我们继承和发扬。中国画有其独特的艺术感染力和艺术魅力。
因此，我们每个人都应该学会欣赏、欣赏、继承和弘扬中国特色文化。
此外，通过本课程的学习，我不仅掌握了大量的历史理论知识，还总结出以下两点认识：
一。建立系统思维体系培养逻辑思维能力
学习艺术史的一个重要环节是建立一个系统的思维体系，以便于今后的灵活运用。光熟识哪一位大师的风格和作品是不够的，我们需要思考，为什么会产生这种思想以及这种思想对现代艺术有何帮助。从**的对象，研究的对象，欣赏的对象，鉴赏的对象，阅读的对象中，有些甚至是毫无关系的事物、文化联系在一起，让那些零零散散的思绪，交融在一起，融会贯通形成流动的创新的思维从而锻炼逻辑思维能力。
2。视觉经验的积累积其在创作中的辅助作用
学习美术史让原本思绪躁动或者漫无头绪的创作者有了灵感。艺术史是一个系统的，完整的系统，它将古代和现代文化与艺术形式联系起来，并充分利用历史知识。比如：
我们赞叹汉代画像石，魏晋佛教像，少数民族壁画的伟大的同时，不断努力地发掘它们相关的背景条件，了解作品更深层的含义。建立自己的历史观体系，是为了便于他在研究或创作中的努力定位。我们在现代艺术创作中经常看到大量传统的特定文化元素，这也可以直接解释从传统中寻求创新路径的现象。
三。艺术史教育在当前艺术环境中发挥着重要作用
当今社会，我们已进入全球一体化，中西文化交流频繁。在艺术方面，对艺术作品的鉴赏显得尤为重要。外国美术的多样式、多观念给中国当代艺术的发展有着启迪作用，当下中国艺术的多维展开的动态结构和日益丰富的视觉形态多多少少受到了西方艺术的影响。
其次，国外艺术多元化可以促进中国创意产业和视觉产业的健康发展。例如，西方现代派艺术的创新精神和表现手法对中国的建筑设计、服装设计和广告制作起到了很大的推动作用。我们要因地制宜地吸收外来优秀文化，使当地文化焕发光彩。
在我看来，在多元文化社会的发展下，如何有效地开展外国艺术欣赏教育是一个不容忽视的重要问题。
结合自己的专业，我有以下看法：我的科学是设计，我的研究生学习是艺术。
艺术与设计的区别在于一个强调装饰，另一个更实用。原来学过一些设计史，现如今学习了美术史，二者之间彼此联系彼此依存。人类首先是先有了“装饰”这一想法，再在此基础上不断创新，新颖取代过时形成一个又一个新的设计。
在油画研究中，从艺术史的角度看，油画虽然起源于西方，但在中国当代文化生态中却具有生命力。如今中国的写实油画必须放在美术史的角度来审视，我们不能以重复西方传统来定位自己的文化，更不能以模仿自然的视觉逼真而失去创作个性。我们应该欣赏美，创造美，把美从具体的事物中解放出来。
但是现在我们很多学生都接受了填鸭式的教育，他们的思想也受到了限制。他们缺乏主观认识和自我创造能力，只是为了应试。缺乏探索能力。用齐白石老先生的话来说：
“学我者死，似我者生。”总之，艺术还是在于它的原创性。
通过此课程的学习，矫老师有一句话我记得比较深刻：“我们的创作要投入真实的情感，打动别人作品才会引起共鸣。要有自己的风格，才不会平庸。
”是的，我们还需在艺术的长河中不停的探索和钻研，让艺术之舟到达真理的彼岸。
以上是我的一些拙见，有不妥之处，还望老师批评指导。
美术观后感 篇7
《圣母、圣子和两位天使》陈列于佛罗伦萨乌菲兹博物馆，是菲利波·利比的作品。利比修士是安吉利科修士的**。他继承和发扬了教师抒情诗优美的绘画风格，并与马萨乔宏伟的现实主义相结合，形成了自己独特的风格。与他的老师不同的是，利比的绘画中很难寻到“天使般的”安吉利科所传达的那种坚定的虔诚，而是充满了人间情趣。
画中美丽柔情的麦当娜是利比以妻子为模特创作的，儿子的模特是它们的儿子。利比经常用美女作为圣母玛利亚的模特。他作品中的圣母玛利亚美丽温柔，充满女性美，是文艺复兴时期圣母玛利亚形象的典范。
安东尼奥·波拉约洛的作品《阿波罗与达芙妮》现陈列于伦敦国家美术馆。这是一个悲伤而绝望的爱情故事：太阳神阿波罗爱上了山林女神达芙妮。被拒绝后，他仍然热情地追求着她。
达芙妮向她的父亲河神求助。阿波罗追上达芙妮的那一刻，河神把达芙妮变成了一颗月桂树。这也是阿波罗一直戴着月桂花环的来由。波拉约洛所要表现的就是那一刻，阿波罗惊异而绝望，达芙妮脸上则露出了胜利的微笑。
博莱奥洛是最早研究人体结构的画家之一。我们可以从阿波罗强壮的身体上看到他的研究成果。
波提切利的代表作《维纳斯的诞生》，表现女神维纳斯从爱琴海中浮水而出，风神、花神迎送于左右的情景。金星优雅地站在贝克身上，在西风神的帮助下，伴随着周围被金心包裹的玫瑰，漂流到黑暗的海岸，就像是大海送给世界的礼物。岸边是手持一袭华美长袍迎接她的四季女神。
这些细长、轮廓清晰、线条灵活的人物几乎是波提切利所独有的。金星的姿势显然是参照古典雕像的图案来描绘的，只是改变了两只手的位置。但波提切利笔下的维纳斯还有其特殊的风韵，这个被认为是美术史上最优雅的**，并不象后来某些威尼斯画家所倾心的那种华丽丰艳、生命力过剩的妇女，而面容却带有一种无邪的稚气。
米开朗基罗是文艺复兴时期最放肆的艺术家。他出身于一个低级贵族家庭，生活相对富裕。他鄙视绘画，声称他一生中使用的工具只有凿子。他迫于教皇的压力才提起画笔绘制的西斯廷天顶画，却成为美术史上最为浓墨重彩的一笔。画面上美妙绝伦的人物涌动着近乎绝望的力量。
与天顶画中心形象的热情、力量和氛围相比，米开朗基罗对天顶画横槽和托槽的构图处理得更加压抑和安静。安排在模槽里的人物身上，占压倒优势的是宁静、超然物外、淡淡的哀愁的气氛；但是安排在支架里的人物身上，则是不安、焦虑、呆滞的情绪。
现藏于维也纳艺术博物馆的《雪中猎户》是彼得·勃鲁盖尔的作品。因为他喜爱表现农民生活而被称为“农民勃鲁盖尔”，其实他是一个见多识广，很有教养的画家。勃鲁盖尔十分明白什么才可以被看作是土地的精髓，在这幅画中，彻骨的寒意是如此的真切，广袤的雪原又令人心境开阔，画面上众多的人物全然没有妨碍画家展现这样一个恢宏的场面。
疲惫的猎人拖着沮丧的狗蹒跚地穿过雪地。他们身后的一家人专注于烤猪。滑雪和玩耍的人都在做自己的事情。没有人注意到美丽而迷人的景色。只有观众才能分享这位画家的光辉形象。
《西方美术简史》这本书囊括了160位世界美术史上的顶级大师的160幅旷世杰作，我阅读后印象最深刻的便是意大利文艺复兴时期的作品。文艺复兴不是古希腊罗马文化的简单重复，而是资产阶级文化萌芽的标志，是新市民阶级要求的反映。在人文主义的旗帜下，文艺复兴时期的工艺美术也与绘画、雕刻和建筑艺术一样开创了一个崭新的局面。
美术观后感 篇8
本月我有幸拜读了路卫芳老师撰写的：《欣赏课的教学》一文，从中我对于小学美术教学中关于欣赏课教学的内容有了更深刻的认识，读书中我得到了以下的启发和感受.
美术欣赏主要培养的是学生的审美能力，而审美能力的培养首先是从欣赏能力开始的.物发于外而情动于中，人们对自然现象社会现象有所感知是普通的心理现象，但对艺术美的感知却不是与生具有的，必须通过后天的教育培养才能具备.我们的美术欣赏教育就是直接以精选在课本上的古今中外美术作品为学***，通过我们运用直观和富有启发性的教育手段，把抽象的艺术理论于艺术知识寓于对具体作品分析讲解之中，使学生掌握对于艺术美的欣赏能力.
学生在对艺术作品的欣赏与**中，能够将自己的知识和经验充分调动起来，达到感性认识与理性认识的高度结合，通过许多次具体的艺术作品的赏析，潜移默化地接受中外艺术史上的优秀的思想传统与艺术传统，逐步树立爱国主义，人道主义等思想意识，形成正确的审美观点，养成高尚的审美情操，并深刻地影响自己的气质，品格，意志，信念等.显而易见，同一般美术技能教育内容及其它教学手段相比，美术欣赏教学更能利用审美活动的认识意义和教育作用对学生施加影响，从而使学生在人生观，价值观形成的过程中，学会通过审美的方式正确理解世界，认识社会，把握人生，促进学生德，智，美等素质的全面提高.
2.我在美术欣赏课上的一些做法
美术欣赏教学中的组织和实施，既要遵循教学教法的一般规律，又要契合艺术欣赏的特征来设计教学的程序和步骤.首先应加强作品所需的背景知识进行必要介绍外，我们切忌从归纳思想内容到概括艺术特征的程式化教法，而是紧扣作品本身，从分析意象，情节，造型，色彩，线条到艺术表象入手，启发引导学生去**作品在构思与立意上的特点及整体艺术风格和艺术表现方面特征，使学生真正学***赏方法.在具体教学过程中，我常给学生一定的时间，进行独立观察的欣赏，让他们沉浸到欣赏对象中去，运用已知的美术知识与理论进入到对作品未知的个性特征的探寻，在感受认识的基础上培养学生研究问题和分析问题的能力，并且经常组织讨论，让学生畅所欲言，自主发表个人的欣赏见解，学生在交流欣赏体会中达到互相启发的目的.
最后我再在上述环节基础上归纳整理，把学生的体会上升为新的理论知识，使学生的感情得到升华.当然，多**的出现，使欣赏教学如鱼得水，从**，**，**等各方面入手全面丰富学生的视觉听觉，提升学生的情感升华.运用电脑技术进行美术教学和绘画创作，还可以提升学生对科学技术的认识和适应能力，培养学生的审美能力、探求意识和创造能力、操作能力，挖掘学生的潜能，有利于学生全面和谐地发展.
如在七年级下学期上漫画和动画课时，为了激发学生兴趣，我收集了很多名人的漫画和流行的经典动画，先通过欣赏分析，入手到如何制作.而在纯欣赏课里，则利用**技术，点画成景，有某一幅画扩展到同一系列的，还可以点人出文字介绍，在学生讨论后，老师在总结时，点一下相关的画家或某名画的**时，其相关的介绍就出来了.比老师单一总结要更形象.
还可以利用电脑虚拟出你想象的场景，例如把某画色调变一下，或把画中某物或人去掉后的效果等等，这种富有艺术情趣的客观环境，能全面丰富学生的视觉，更好的去熏陶感染学生，克罗齐说艺术的直觉总是抒情的直觉.通过各种方法，从最大程度上调动学生的学***和情感抒发，充分调动学生自觉积极地参与教育过程，在不知不觉中将学生摆上了主体地位.最后情感升华部分，老师总结欣赏的技巧：
欣赏任何作品都应该把它们放到一个特定的历史环境中来看，不同画家的作品必然带有其时代的烙印，只有这样才能更深刻地理解画家及其作品的内涵，比较充分地完成欣赏课的目的与任务.
小美术欣赏教学是一种使受教育者通过艺术作品的赏析逐渐提高对艺术作品的审美能力，其目的是使受教育者成为一个能对艺术及艺术以外的一切美的因素进行感知的有较高文化素质的公民.因此我觉得每个美术教师都应该注重欣赏课的教学，走出传统美术课的上法，探索一种更能适应现代教育要求及培养学生能力的教学方法，使美术教育成为一种真正意义上素质教育.
